Folha de São Paulo: 02/02/12.
 
Por: Alcino Leite Neto (articulista da Folha)
 

O mundo estava em convulsão em 1968. Quando “Hair” chegou à Broadway naquele ano, foi como se o ideário da contracultura estivesse prestes a destruir a caretice do showbiz americano.
 
No Brasil, estreou em 1969, nos anos de chumbo da ditadura, que liberou até mesmo, por um minuto, a famosa cena de nudez do musical. As contestações de “Hair” pareciam simples divertimentos, em face da guerra política que se travava nas ruas do país.
 
O tempo passou, e os sonhos da contracultura caíram todos por terra: a “revolução sexual” não venceu os tabus e o casamento, o “flower power” não extinguiu a intolerância, a vida comunitária não se impôs à propriedade privada, o showbiz encaretou de novo, assim como o conjunto das sociedades etc. etc.
 
“Hair”, que no passado provocava o público com sua rebeldia e com seus apelos utópicos, se transformou numa espécie de lenda da era dos hippies malucos para o divertimento das plateias neoconformistas. Do musical, sobrou pouco: algumas boas canções e o glamour museológico.
 
Sem intervenção. A fim de reavivar “Hair” politicamente para a nossa época, seria preciso uma forte intervenção crítica do encenador, que apontasse a perseverança de certas ideias contraculturais no presente -no movimento Ocupe Wall Street, por exemplo.
 
Mas talvez seja excessivo pedir tal coisa à montagem em cartaz em São Paulo, sob o comando da aplicada, mas convencional, dupla Charles Möeller-Claudio Botelho.
 
Embora empacado no passado e com intenso cheiro de naftalina, o espetáculo é eficiente. Botelho, que fez a versão das músicas para o português, acertou a mão na maior parte delas. O diretor Möeller imprimiu um ritmo energético e envolvente.
 
Foi ajudado pela coreografia de Alonso Barros e pelo jovem elenco, entusiasmado e carismático, que funciona melhor em conjunto do que nos solos.
 
Vale a pena ressaltar a participação de um grupo de atrizes e atores negros, coisa rara de ser vista nos palcos de São Paulo.

Foi divulgada a lista de indicados ao Prêmio Arte Qualidade Brasil 2011, que homenageia os artistas que mais se destacaram no ano passado em diversas categorias.
 
‘Hair’, ‘Um Violinista no Telhado’ e ‘Judy Garland – O Fim do Arco-Íris’, todos dirigidos por Charles Möeller & Claudio Botelho, e produzidos pela Aventura Entretenimento (‘Um Violinista’ em parceria com a Conteúdo Teatral), foram indicados na categoria Teatro Musical.
 
Ao todo, os espetáculos de Möeller & Botelho concorrem a 12 prêmios: 4 por ‘Hair’, 4 por ‘Um Violinista no Telhado’ e 4 por ‘Judy Garland – O Fim do Arco-Íris’.
 
 
 
Veja a lista de indicados:
 
 
Categoria Teatro Musical:
 
 
Melhor Espetáculo
 
Emilinha e Marlene
Hair
Judy Garland – O fim do arco-íris
Tim Maia – Vale Tudo
Outside
Um Violinista no Telhado
 
 
Atriz
 
Claudia Netto – Judy Garland – o fim do arco-íris
Gottsha – 4 Faces do Amor
Leticia Colin – Hair
Leticia Spiller – Outside
Soraya Ravenle – Um Violinista no Telhado
 
 
Ator
 
Cristiano Gualda – 4 Faces do Amor
Gracindo Jr. – Judy Garland – o fim do arco-íris
Hugo Bonemer – Hair
José Mayer – Um Violinista no Telhado
Thiago Abravanel – Tim Maia – Vale-tudo
 
 
Direção
 
Antonio de Bonis – Emilinha e Marlene
Charles Möeler e Claudio Botelho – Hair
Charles Möeler e Claudio Botelho – Judy Garland – o fim do arco-íris
Charles Möeler e Claudio Botelho – Um Violinista no Telhado
João Fonseca – Tim Maia – Vale-tudo
 
 
 
Você pode votar nos seus candidatos preferidos!!!
 
Vote em:  http://www.premioartequalidade.org.br/?pg=votar_2
 
 
 

 
Cabeleira anos 60 dos personagens do musical ‘Hair’ é resultado de perucas e muito mega-hair

MÔNICA BERGAMO

Não é muito fácil ser hippie de musical em 2012. Ainda mais perto do Carnaval. Não por causa da procura por adereços, mas sim porque falta cabelo.

“Não achávamos fios naturais crespos para comprar para as atrizes negras. As passistas das escolas de samba já tinham reservado os estoques de quase todas as lojas de cabelo do Rio e de SP”, diz Mel Mesquita, gerente de produção da Aventura, realizadora da versão brasileira de “Hair” [cabelo, em inglês].

Às vésperas da estreia, no dia 13, no Teatro Frei Caneca, ela teve que implorar para que uma vendedora conseguisse a cabeleira. “Expliquei a situação e ela ‘roubou’ o cabelo que estava reservado para uma passista lá do Rio. Pagamos R$ 2.000 por 600 gramas de fios”, diz à repórter Lígia Mesquita.

O mais de meio quilo de cabelo se transformou em dois mega-hairs que foram trançados ao couro cabeludo das atrizes Juliana Peppi, 28, e Jennifer Nascimento, 18, num processo que levou 12 horas para ficar pronto.

Entre os 30 atores do espetáculo dirigido por Charles Möeller e Claudio Botelho, só 11 exibem longas madeixas naturais. Outros 11 colocaram mega-hair, um usa aplique e sete, perucas.

Todos os atores que alongaram as madeixas contam que sofreram e que o processo foi dolorido. Kiara Sasso, 32, uma das protagonistas, diz que “queria morrer” na primeira semana com o mega-hair. “Não dava pra dormir, doía a cabeça.” Ela lembra que certa vez passou por uma turbulência em um voo e só pensava: “Não quero morrer com esse tanto de cola na minha cabeça”.

O ator com ascendência japonesa Bruno Kimura, 30, de mega-hair, entra na sala onde fica a cabeleireira do espetáculo. Abre uma gaveta e coloca dentro algumas mechas de cabelo. “Todo dia a gente perde alguns fios. Aí guardamos aqui. No fim do mês, separamos qual mecha é de quem e vamos ao salão para colar de novo”, diz. Ele conta que o visual cabeludo provoca curiosidade nas pessoas. “Hoje, ninguém pensa: ‘Ah, esse cara é hippie’. Dizem: ‘Será que ele é algum lutador? Será que faz show como travesti?’.”

Reynaldo Machado, 21, cabeça raspada, se acomoda em uma cadeira para colocar a peruca estilo “black power”. É a única que não leva fios verdadeiros. “Meu cabelo cresce pouco e, quando cresce, dói. Cabelo duro, sabe como é que é.” O ator diz que a peruca é um fetiche para as mulheres. “Elas me acham mais gostoso.”

Se na cabeça o negócio é ter uma juba, no corpo os atores quase não têm pelos -bem diferente da estética hippie dos anos 60, em que mulheres deixavam as axilas e as virilhas cabeludas. Na famosa cena em que o elenco aparece nu no palco, nota-se a depilação em dia até em alguns homens.

O protagonista Hugo Bonemer, 24, primo de William Bonner, raspa o peito. “Meu personagem tem 18 anos e é polaco. Mas eu não quero falar disso [depilação].” Segundo ele, “na tribo do nosso musical tem pessoas que fazem referências reais aos hippies de 68. Mas também tem gente que malha, que se depila. O público paga caro para assistir e espera uma qualidade estética”.

“Muita gente questiona: ‘Ah, mas eu vi uma hippie depilada!’. Meu amor, se fosse realmente seguir o fundamento hippie, não teria luz no palco, não teria figurino, afinação. Isso aqui é um musical que fala dos hippies. Ninguém aqui é hippie”, afirma Reynaldo Machado. “Se é pra ser do jeito real, sem se depilar, a gente deveria estar nu, dançar na rua, se abraçar fedido. O ingresso custa caro [a partir de R$ 130].”

Kiara Sasso diz que não gostaria e nem poderia deixar o corpo peludo. “Fiz depilação a laser [ou definitiva].” E questiona: “No teatro é melhor ter alguém que cante bem ou que não fez depilação definitiva?”.

Para a atriz Carolina Puntel, 31, que tem os cabelos longos ruivos naturais, deixar ou não os pelos no corpo é “o de menos” em “Hair”. “O importante dessa peça é a mensagem de amor e de paz.”

Fonte: Folha de São Paulo – 22/01/12.

Equipe de A Loja dos Musicais no foyer do Teatro do Shopping Frei Caneca

 
 
Fã que é fã mesmo de musical sabe quase todas as letras e falas dos espetáculos de cor e adora um souvenir. Com ‘Hair’, que atrai o encantamento de tantos fãs, não poderia ser diferente.
 
A lojinha de HAIR já está funcionando a pleno vapor no foyer do Teatro Frei Caneca oferecendo diversos produtos para os fãs guardarem de recordação do espetáculo.
 
Administrada pela equipe de A Loja dos Musicais e pela Aventura Entretenimento, a lojinha traz novidades para esta temporada paulista do musical. Além de uma maior diversidade de cores nos produtos, houve a implantação de novos conceitos, como explica o coordenador da loja, Lurryan Nascimento:
 
 

Ricardo Nunes e Kiara Sasso com a camiseta Love

 
 
“O que a gente começou a implantar no Rio de Janeiro, que era uma camiseta com um conceito, não só com uma logo, trouxemos para São Paulo. Temos três camisetas com conceitos diferentes. As canecas têm quatro cores e são tribais, combinando com as camisetas. Os chaveiros também fizemos em quatro cores. Tudo o que o público do Rio nos deu de feedback nós implantamos aqui em São Paulo”.
 
Lurryan revela também que à medida que os estoques das camisetas e canecas acabarem, virão novas coleções, com novas cores.
 
As camisetas estão fazendo bastante sucesso com o público. A Tribal traz os desenhos do palco junto com o símbolo paz e amor. A ‘Love’ é uma camiseta branca com o Love estampado em cores em dégradé simbolizando o amor que o musical transmite. Já a ‘Be In’ é uma camiseta vermelha, que traz estampado o panfleto que o elenco entrega ao público, convocando-o para a ‘queima’. “Esse papel é super disputado. Os fãs o guardam como lembrança”, diz Lurryan.
 
 

Produtos da lojinha em diversos modelos e cores

 
 
As kombis ganharam modelos de cor diferentes das vendidas no Rio e os bottons também mudaram (começarão a ser vendidos nas próximas semanas).
 
Além de Lurryan, trabalham na loja seu irmão Lurran, como diretor administrativo, e os jovens vendedores Jeniffer e Heder.
 
 

Jeniffer e Heder mostram as camisas vendidas na loja

 
 
Depois do sucesso da loja no Rio, a equipe estava ansiosa pela resposta do público paulista. E o retorno tem sido muito positivo, como conta Lurryan:
 
“As vendas de início surpreenderam porque nós não conhecíamos o público aqui de São Paulo (A Loja dos Musicais estreou no Rio, em Hair). Estávamos com um certo receio, pois achamos que o musical HAIR combina muito com o Rio. As pessoas iam assistir o espetáculo de saião, headband… aqui em São Paulo nossa visão era de um público mais fechado e não foi isso o que aconteceu. O público aceitou bem os produtos. Estamos muito felizes”.
 
 
Serviço:

 
Formas de pagamento:
Cartão (débito e crédito) e dinheiro
 
Produtos:
 
Camisetas – R$ 60,00
Programa – R$ 20,00
Chaveiro – R$ 20,00
Caneca – R$ 20,00
Kombi – R$ 250,00
 
Horário de funcionamento da Loja:
 
A partir de 1 hora antes do início do espetáculo até a última pessoa sair do teatro.
 
 
Quando for assistir HAIR no Teatro do Shopping Frei Caneca, não deixe de dar uma passada na Loja e levar sua lembrança do musical!
 
 

Veja mais fotos da Loja de HAIR:

 
 
 
Fotos: Leo Ladeira – © Copy Right: Site Möeller Botelho.
 
 
 

 
 
Vídeo: Edgar Duvivier (Evoé Produções).
 
 
 

 TODOS, TODOS

 FESTA, FESTA”

Durante meses, os fãs paulistas de musicais pediram e esperaram. E nesta sexta-feira, 13 de janeiro de 2012, seu desejo virou realidade: o musical HAIR estreou em São Paulo com muita vibração, energia e união do elenco!
 
Quem esteve no Teatro do Shopping Frei Caneca nesta sexta viveu uma celebração – quase um  exorcismo, um ritual xamânico. A Tribo de HAIR conquistou e emocionou a plateia.  Ao final, no ‘Deixa o Sol Entrar’, nada de timidez! Foram muitos os que subiram ao palkco espontaneamente e confraternizaram com o elenco.
 
Os cabeludos invadiram de vez a terra da garoa. E os fãs de musicais entraram na festa!
 
 
Veja o vídeo dos agradecimentos finais e do público confraternizando com o elenco no palco:
 
 

 
 
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Por Lucas Neves – Folha Ilustrada – 12/01/12
 
 
Pegue um “indignado” de uma praça europeia ou um acampado do “Ocupe Wall Street”. Cubra o sujeito de estampas indianas e mandalas psicodélicas, dê a ele uma peruca comprida e algumas doses de LSD e reescreva trechos de seu discurso, trocando brados contra o capital financeiro por ideais de paz e amor.
 
O hippie temporão que surgir daí pode se candidatar a uma vaga na tribo de “Hair”, o musical que agitou a Broadway no fim dos anos 60 e cuja atualidade é posta à prova agora em remontagem de Charles Möeller e Claudio Botelho. A dupla é responsável pelas versões nacionais mais recentes de “A Noviça Rebelde” e “O Despertar da Primavera”, entre outros.
 
“Hair” testemunha a transição para a idade adulta de um grupo de jovens que inclui um Casanova defensor do amor livre, um garoto que vê na ida ao Vietnã um dever patriótico e uma jovem engajada em causas sociais.
 
A produção original marcou época por causa da interação inédita com a plateia, da ode ao pacifismo e à libertação feminina e sexual, dos hits bicho-grilo “Aquarius” e “Let the Sunshine In” (“Deixe o Sol Entrar”) e da cena de nu frontal coletivo.
 
Em 1979, o filme homônimo de Milos Forman deu o empurrão que faltava para que a trupe riponga ganhasse projeção mundial.
 
Na nova encenação, saem referências capitalistas datadas, menções detalhadas à Guerra do Vietnã e à história política americana e uma certa “idealização do socialismo como possibilidade de libertação”, como aponta Möeller.
 
“Além disso, tiramos o ranço experimentalista. O texto original era ininteligível”, diz ele, citando trechos que dão a impressão de um tatibitate concretista, com sílabas repetidas à exaustão.
 
Tampouco se nota a improvisação que pautava a movimentação cênica de Sônia Braga, Antônio Fagundes e colegas do elenco da primeira encenação brasileira, em 1969, sob a direção de Ademar Guerra. “A plateia de hoje não aguentaria isso, uma expressão corporal 100% livre”, argumenta Möeller. “Naquela época, todo mundo, no palco e no público, estava com LSD na cabeça.”
 
 
HIPPIE DE BUTIQUE
 
Ele repele a ideia de que a montagem atual seja povoada por hippies de butique, neocaretas: “Não estou fazendo um ‘Hair’ politicamente correto, para a classe alta. Busco um espetáculo que passe pelas sensações psicodélicas”, descreve. “É um caleidoscópio do que seria ‘deixar o sol entrar’. Não queria hippie sujo, sem dente, gritando contra a opressão.”
 
Claudio Botelho, que adaptou as letras do musical para o português, diz que a maior dificuldade veio do fato de as canções “não contarem histórias, não fazerem o enredo avançar”, só expressarem sentimentos momentâneos.
 
“Há onomatopeias e jogos de palavras por toda parte. O som da palavra muitas vezes é mais importante do que o significado”, completa ele.
 
 
HAIR
QUANDO estreia amanhã; qui., às 21h, sex., às 21h30, sáb., às 18h e 21h30, e dom., às 18h; até 29/4
ONDE teatro Frei Caneca (r. Frei Caneca, 569, 6º andar, tel. 0/xx/11/3472-2226)
QUANTO de R$ 130 a R$ 160
CLASSIFICAÇÃO 14 anos
 
 
 

Clássico musical revê a consciência política que ganhava força no fim dos anos 1960

 
 

Elenco volta vitalizado após seis meses entre o final da temporada no Rio e a estreia em SP
 
 

Por: Ubiratan Brasil – O Estado de São Paulo: 09/01/12
 
 
A era de Aquário começa na sexta-feira 13 no Teatro Frei Caneca – é neste dia que um bando de cabeludos bem-intencionados vai tomar o palco e marcar o início da temporada paulistana do musical Hair, depois de sucesso no Rio. “Esperamos durante seis meses até estrear aqui o que, se não foi favorável para a produção, ao menos serviu para que o elenco voltasse vitalizado”, acredita Charles Möeller, responsável pela direção e produção geral, ao lado de Claudio Botelho. “Percebemos que agora há uma força renovada tanto no vocal como na dança.”
 
O período de descanso fez também com que alguns atores se aventurassem por outras produções. A começar por um dos protagonistas, Igor Rickli, que deixou o papel do hippie John Berger para integrar outro sucesso da dupla Möeller/Botelho, Judy – O Fim do Arco-Íris, ainda em cartaz no Rio. Ao todo, o elenco de 30 atores de Hair chega a São Paulo com 16 caras novas. Entre elas, a do sucessor de Rickli, o talentoso Fernando Rocha – ele já chamara atenção quando participou, em 2003, então com 22 anos, dos testes para a montagem paulistana de Chicago.
 
Outra novidade é a inclusão de Kiara Sasso, uma das melhores intérpretes do musical brasileiro, em um papel que foge de seu tradicional: a da hippie grávida Jeanie. “Ela passou por uma verdadeira desconstrução para assumir esse personagem”, conta Botelho.
 
Criado por Gerome Ragni, James Rado e Galt MacDermot, Hair é ambientado em 1968 e acompanha os passos de John Berger (Rocha), hippie que comanda uma tribo de moças e rapazes de Nova York. O grupo logo é reforçado por Claude (Hugo Bonemer), rapaz que vive um dilema: oprimido pelos pais, que o querem alistado no Exército para a Guerra do Vietnã, ele também é assediado pelos hippies, que o incentivam a se soltar das amarras sociais. Depois de estrear em 1967 no circuito alternativo dos Estados Unidos, e, em seguida, conquistar a Broadway, o espetáculo logo foi alçado à condição de clássico por tratar de guerra e sexualidade sob um olhar inovador e original.
 
“É um assunto ainda muito atual, mesmo que a filosofia hippie não continue”, comenta Fernando Rocha. “E, não bastasse isso, há ainda a força mântrica das canções”, completa Marcel Octavio, que interpreta Woof, o hippie cuja sexualidade é ambivalente.
 
São muitas as referências da peça, especialmente paralelos com Shakespeare e cristianismo. “É uma espécie de Novo Testamento, pois a peça começa com o Anjo da Anunciação cantando Aquarius, que prega uma nova era e a vinda do novo Cristo. Em seguida, entra em cena John Berger, que tem as mesmas iniciais de João Batista e que fundamenta uma liturgia inédita – por meio do LSD, ele alcança uma nova fronteira, uma referência ao que Paul McCartney disse nos anos 1960, sobre encontrar Deus por meio da droga”, comenta Charles Möeller que, ao assistir à uma nova versão da peça em 2009, em Nova York, ao lado de Botelho, ficou encantado e decidido a trazê-la ao Brasil. A produção acabou viabilizada pela Aventura Entretenimento, empresa que vem patrocinando os recentes espetáculos dos dois.
 
E, na montagem da dupla, Hair sacramenta sua condição de um espetáculo vital, necessário – se mantém o frescor de uma consciência política que ganhava força naquele final dos anos 1960, pregando que é melhor ser um civil vivo que um soldado morto, também exalta o cuidado com a ecologia e a liberdade de opção sexual como atos ideais para a construção de uma sociedade civilizada e pacífica. E isso por meio de canções que se tornaram célebres justamente por sua mensagem – pela primeira vez, um musical unia rock’n’roll com a música negra (ainda pouco conhecida fora dos guetos), mantras orientais, letras psicodélicas e influências de música tribal. “Tive grande trabalho na tradução das letras”, conta Botelho. “Logo percebi que a sonoridade era mais importante que a tradução mais fiel.”
 
Dividido em dois atos, Hair exibe momentos distintos. No primeiro, é exaltada a arrogância da juventude, o sol brilha, enquanto no segundo, com a chegada do inverno, aqueles mesmos hippies querem voltar para a casa dos pais, como bichos assustados. “É o inverno da alma. Tudo caminha para a morte”, comenta Möeller. “E os autores foram implacáveis, pois Claude não escapa da guerra nem da morte.”
 
Como todo o elenco se mantém praticamente a peça inteira em cena, foi necessário um rigoroso trabalho de marcação. “Andamos em grupo, mas cada um tem de saber exatamente onde é seu lugar”, conta Hugo Bonemer. “E é preciso que tudo pareça natural, o que exige mais ensaios”, completa Carol Puntel, que vive Sheila.
 
Da coreografia repleta de gestos atléticos cuidadosamente criada por Alonso de Barros até a manutenção de transgressões originais (como a cena de nudez coletiva ou a que mostra as ‘viagens’ promovidas pelo consumo de drogas ), a nova montagem de Hair se impõe como uma das melhores já feitas no Brasil. Basta medir a comoção que se estende pela plateia, especialmente no final, quando todos são convidados a confraternizar no palco. “Tudo se transforma em uma imensa liturgia, com as pessoas se esquecendo de seus problemas”, completa Möeller.
 
 
Cinema x teatro
 
Cena da mesa – Não espere ver a famosa cena em que Berger canta e dança sobre uma mesa: não existe no musical original e foi criada especialmente para o longa dirigido por Milos Forman, em 1979.
Final – O filme também termina com a morte de Berger, enquanto na peça é Claude quem se vai
Social – No cinema, Sheila é uma patricinha, ao contrário do musical, no qual não há uma diferença social tão grande
 
 
 

 
 
Há algumas semanas o Site Möeller Botelho anunciou o elenco da temporada paulista de HAIR, musical que fez grande sucesso no Rio e que estreia em São Paulo em 13 de janeiro de 2012.
 
A nova Tribo do musical está a mais eclética possível. O público paulista poderá ver no palco do Teatro Frei Caneca da Noviça Rebelde Kiara Sasso no papel de Jeanie a nomes que nunca trabalharam com a dupla Möeller & Botelho antes, tais como Juliana Peppi, Jennifer Nascimento e Ricardo Nunes, entre outros. A temporada marca também a volta de nomes como Estrela Blanco e Davi Guilhermme a musicais MB.
 
Entre os 30 nomes da Tribo, 16 estão fazendo sua estreia. Os demais 14 participaram da temporada no Rio, no Teatro Oi Casa Grande.
 
Em fase de ensaios, conversamos com alguns nomes do elenco original que nos contam como foi o reencontro entre eles e o encontro com os novos atores.
 
“O prazer em fazer HAIR é algo indescritível. O momento é muito especial e de muita alegria”, afirma o ator Hugo Bonemer, intérprete de Claude.
 

 
“No primeiro dia de ensaio aqui em São Paulo eu estava me sentindo como uma criança no primeiro dia de aula. Ansiosa para rever os amigos e conhecer o elenco novo. Primeiro a excitação em rever a antiga tribo, conversamos sobre os trabalhos que fizemos nesse meio tempo, sobre a vida, enfim matamos um pouco a saudades. Depois a curiosidade sobre os novos integrantes. Alguns eu já conhecia de outros trabalhos e foi um imenso prazer reencontrá-los e poder trabalhar novamente com eles. Outros eu não conhecia e está sendo delicioso cada novo encontro”, revela Mariana Gallindo.
 
“Foi muito divertido reencontrar o pessoal. Relembrar os momentos de alegria vividos com cada um deles foi demais. É praticamente a metade de novas pessoas, e isso traz muita energia nova, novas propostas… é revigorante. Tenho certeza que vou aprender muito com os novos integrantes. Tem sido harmonioso e assim espero que continue”, disse Sérgio Dalcin.
 

 
Já Cássia Raquel afirma que manteve contato com várias pessoas do elenco original durante a pausa de HAIR e que nesta sendo ótimo poder revê-los agora: “Nossos bordões, nossas brincadeiras, relembramos de momentos especiais no Rio e tentamos resgatar a mesma energia”.
 
Cássia também já conhecia algumas pessoas do novo elenco: “Outros eu já admirava e fiquei muito feliz em poder trocar com eles. Logo no primeiro dia a galera se enturmou e sempre tem aqueles que você simpatiza rapidamente. Outros você conhece aos poucos. A cada ensaio o povo tem entendido e automatizado o significado da palavra “Tribo”. Tenho certeza de que até janeiro nos sentiremos com uma só pessoa”.
 
“Em relação a Hair, a verdade é que estamos todos nos conhecendo e reconhecendo. Está muito gostoso o processo de “redescobrimento” e construção desta nova tribo. A cada dia temos uma nova oportunidade de nos aprofundar nos personagens e estabelecer relações entre eles. Voltar com o Hair está sendo uma excelente oportunidade de enriquecer meu trabalho como atriz, agora que conheço a peça, tenho mais confiança em ousar e explorar novas possibilidades da personagem. Estou muito feliz em estar de volta e poder mergulhar de cabeça na Era de Aquário”, diz Mariana Gallindo.
 

 
“É uma mudança literalmente mesmo, pois fico em São Paulo praticamente dois meses direto sem voltar pra casa. Tem sido incrível isso, pois estar numa cidade que não conheço faz eu mergulhar ainda mais nesse processo do HAIR. Acho que atuar aqui será muito especial, e espero que a plateia paulista curta também”, afirma Sérgio Dalvin.
 
“Tudo é novo! é como se fosse outra peça… Começaremos 2012 com o pé direito, da melhor maneira: fazendo aquilo que a gente gosta ao lado de quem a gente ama, aprendendo com aqueles que nos cercam”, complementa Cássia Raquel.
 
 
Aguarde novas matérias com a atual Tribo de Hair!!!
 
 
 

O musical HAIR fará temporada em São Paulo, de 13 de janeiro a 29 de abril de 2012, no Teatro Frei Caneca.

Elenco – Temporada paulista:

Fernando Rocha (Berger) – Hugo Bonemer (Claude)

Carol Puntel (Sheila)

Kiara Sasso (Jeanie)

Marcel Octavio (Woof)

Reynaldo Machado (Hud)

Bruna Guerin (Mãe Claude)

Conrado Helt (Pai Claude)

Juliana Peppi (Dionne)

Estrela Blanco (Crissy)

Davi Guilhermme (Margaret Mead)

Ricardo Nunes (Hubert)

Emerson Espíndola (Tribo)

Mariana Gallindo (Tribo)

Renan Mattos (Tribo)

Cássia Raquel (Tribo)

Sérgio Dalcin (Tribo)

Kotoe Karasawa (Tribo)

Esdras de Lucia (Tribo)

Jennifer Nascimento (Tribo)

Giselle Lima (Tribo)

Daniel Nunes (Tribo)

Janaina Zuba (Tribo)

Rooney Tuareg (Tribo)

Juliana Lago (Tribo)

Stephanie Serrat Emery (Tribo)

Bruno Kimura (Tribo)

Vanessa Costa (Tribo)

Kassius Trindade (Tribo)

Carlos Martin (Tribo)

Dez anos depois da estreia do precursor Les Misérables, espetáculos ao estilo Broadway conquistam espaço definitivo

 
Ubiratan Brasil – O Estado de S.Paulo
 

Musicais sempre foram bem montados no Brasil – nos anos 1960, por exemplo, Bibi Ferreira e Paulo Autran encenaram uma versão de sucesso de My Fair Lady, que teve 700 apresentações no Teatro Paramount. Mas versões fieis à Broadway, com idênticos figurinos e cenários e movimentando pequenos exércitos de técnicos, músicos e atores, são mais recentes. E tudo começou no dia 25 de abril de 2001, quando estreou Les Misérables no Teatro Abril (que antes abrigava o mesmo Paramount), iniciando uma nova e produtiva era.

Em dez anos, uma verdadeira revolução aconteceu nas cenas paulista e carioca, com o surgimento de profissionais do palco musical. Por conta disso, clássicos como O Fantasma da Ópera, My Fair Lady, Gypsy e Hair, entre outros, puderam ser montados com cuidado e fidelidade ao original, deslumbrando plateias que antes só conseguiam ver algo similar em Nova York ou Londres.

“Os musicais são o evento mais significativo do teatro brasileiro dos últimos dez anos”, atesta Claudio Botelho que, ao lado de Charles Moeller, é responsável pela montagem de grandes espetáculos. “A abertura de um mercado de trabalho que mudou a vida de algumas centenas de atores, técnicos, músicos, produtores e casas de espetáculos já representa mais que qualquer revolução estética. E, mais que isso, a adesão em massa de um público que havia anos não frequentava o teatro mostra que os musicais não são uma invenção autoindulgente, uma veleidade artística, mas sim uma nova possibilidade profissional e madura para o entretenimento no Brasil.”

De fato, a produção ganhou impulso com o aval de grandes empresas como a CIE Brasil, hoje Time For Fun (T4F), que mantém conexões em outros países, o que permite um rodízio nos espetáculos. Um exemplo fictício: quando A Bela e a Fera encerrava temporada aqui, seguia para a Argentina, onde O Fantasma da Ópera acabara de passar e rumava para a Espanha, onde recém-terminara a fase de Miss Saigon, agora preparando-se para chegar ao Brasil.

“Com isso, houve uma grande formação de plateias”, observa o produtor e diretor Jorge Takla, profissional que há anos trabalha na área, antes mesmo desse novo boom. “Houve especialmente uma grande formação de artistas com trabalho de palco mais amplo (canto, dança e interpretação), uma apuração técnica muito grande entre maquinistas, camareiros, peruqueiros, maquiadores, iluminadores, sonoplastas.” Surgiram até novas profissões, como a de stage manager, o responsável pelo cumprimento à risca de todas as exigências de cada musical.

O palco logo passou a abrigar artistas que se tornaram estrelas, consolidando uma fama que atraía público, como Saulo Vasconcelos, Kiara Sasso, Totia Meirelles, Sara Sarres, Fred Silveira, Nando Prado, Marcos Tumura, Daniel Boaventura, Amanda Costa, Alessandra Maestrini. Logo, também motivou o nascimento de produtoras nacionais, como a Aventura, empresa dedicada exclusivamente à montagem de espetáculos de grande porte e alto padrão.

“O que trouxe os patrocinadores foi a visão de que há público em grande escala, e o fato de que as produções se mostram (em geral) sérias, com comprometimentos de exposição das marcas, bastante visibilidade para os anunciantes, etc.”, explica Botelho. “O teatro deixa de ser uma “queixa” e passa a ser um “atração”.” Ele e Moeller, aliás, preparam-se para outro passo ousado: a construção de teatros especializados em musicais no Rio e em São Paulo. “Estamos a um passo disso.”

Resta, agora, o surgimento de grandes obras nacionais, o que parece ainda distante. “A arte de escrever teatro musical é extremamente complicada e elaborada, uma fórmula especializada da qual ainda nos falta muito know-how”, justifica Takla. “Apenas haverá musical nacional quando houver compositor brasileiro escrevendo música para o teatro”, completa Botelho. “Apenas Ed Motta se dedicou de maneira mais séria. E Francis Hime prepara algo que irá acontecer em mais um par de anos.”

 
 
CINCO MOMENTOS INESQUECÍVEIS

1. O Fantasma da Ópera (2005)
O susto com o lustre foi uma das atrações da peça que exibiu o talento de Saulo Vasconcellos

2. Gypsy (2010)
Totia Meirelles, surpreendente a cada segundo em que esteve em cena, foi a atriz da década

3. A Noviça Rebelde (2008)
Como Maria, Kiara Sasso comprovou a condição de uma das estrelas do musical nacional

4. Hair (2010)
A força do talento do elenco é o grande trunfo da montagem de Claudio Botelho e Charles Moeller

5. My Fair Lady (2007)
Clássico, ganhou versão à altura de Jorge Takla, com Daniel Boaventura e Amanda Costa
 
 

Fonte: O Estado de São Paulo – 24/04/11.

Jornalista relata emoção que sentiu ao ver musical e reencontra Marcel Octavio, seu antigo aluno

‘Hair’ continua atual

Eu tive uma emoção única, pessoal e intransferível, ao assistir à centésima apresentação de “Hair“, no Teatro Casa Grande, no Rio de Janeiro. Eu contarei mais adiante, em outro post. Fique firme aí.

“Hair” é um dos espetáculos mais criativos e vigorosos da história do teatro mundial. Original, digamos. Você bate o olho e diz: “Hair”. “Todos os valores contestadores da década de 60 foram transferidos para o palco. É uma obra que continua atualíssima, mesmo aparentando ser datada.

E por que isso? Creio que seja porque o embate conservadores x progressistas move o mundo. E a gente se localiza de um lado ou de outro, mas pensa ser sempre moderno. Gostamos de nos enganar.

Entre tantos outros, ali você encontra escancarado os conflitos da juventude diante da guerra – naquele caso Vietnã -, o comportamento destoante de filhos e pais, a forma de vestir irreverente, até o comprimento dos cabelos de homens e mulheres serviu de motivo para questionamentos.

E o que dizer da busca do uso das drogas na tentativa de abrir portas e janelas de uma sociedade tradicionalista. A liberdade sexual foi posta a prova. Aquela geração foi à luta e pagou caro por isso. Mas a abriram a possibilidade da revolução que vivemos hoje. Estas e outras pedreiras estão em “Hair”.

A montagem brasileira de Claudio Botelho, que traduziu e adaptou o texto original e o talento de Charles Möeller que a dirigiu é, mais uma vez, biscoito fino para a massa. Esta dupla é de uma competência impressionante. Eu nunca assisti a nada ruim feito por Botelho e Möeller.

Eu gostei muito da iluminação de Paulo Cesar Medeiros. Muito inteligente e, ao mesmo tempo, aparentemente simples. A logística do cenário concebido por Rogério Falcão também é muito engenhosa. A coreografia de Alonso Barros é excelente.

Não sou crítico e nem tenho competência para sê-lo. Por isso prefiro recomendar a você que ainda não assistiu a “Hair”, que não perca. Imperdível. O espetáculo vale a pena.

Mesmo não sendo crítico, me deu a impressão que o som estava em volume desigual conforme o impacto de cada passagem dramática. As vozes em coral nem sempre eram compreendidas. Outra coisa que me incomodou foi o tom declamatório de alguns personagens. É um recurso de interpretação já superado e frequentemente usado quando o texto são clássicos. É chato.

Não defendo naturalismo, mas não creio que o ator precise conversar com a plateia com uma “descontração” encenada. Não passa verdade. “Hair” é a verdade daquela geração e, arrisco dizer, da atual. E ambas trazem uma informalidade natural. O Claude, de Hugo Bonemer, achou o tom certo. E, por isso, mereceu aplausos tão intensos no decorrer da encenação.

O espectador sai do musical fascinado com a interpretação destes jovens atores: Hugo Bonemer (Claude); Igor Rickli (Berger);Carol Puntel (Sheila); Letícia Colin (Jeanie); Marcel Octavio (Woof); Reynaldo Machado (Hud); Tatih Köhler (Crissy); Karin Hils (Dionne); Danilo Timm (Margaret Mead / Tribo); Fernando Rocha (Pai de Claude / Tribo); Bruna Guerin (Mãe de Claude / Tribo); Conrado Helt (Hubert /Tribo).

Minha emoção em ‘Hair’

Depois de ficar encantado com as vozes coletivas e individuais, como as de Julia Gorman e Karin Hils, eu notei a interpretação impecável e discreta do ator Marcel Octavio, encarnando a pele de Woof, um dos protagonistas, síntese do movimento hippie.

Eu não reconheci Marcel imediatamente, mas sabia que aquele rosto me era familiar. Pensei ser da TV ou de algum entrevistado. Não demorou e a luz iluminou minha memória. E comentei com minha mulher, “ele foi meu aluno na faculdade”. O meu peito se encheu de orgulho. Marcel está muito bem em “Hair”. Excelente. Que surpresa boa!

Quando terminou a peça, aplausos e mais aplausos. Merecido. No momento que em personagens e espectadores se unem no palco numa catarse e agradecimentos, Marcel me notou perdido na plateia. O seu sorriso verdadeiro, sua felicidade fraterna em reencontrar o velho professor o levou a um impulso inesquecível: ele saiu correndo do palco e veio em minha direção e me deu um abraço caloroso. Tudo foi muito bonito.

Ele tentou me levar para o grupo que se esbaldava no palco, mas sou tímido em situações assim. E não fui. O palco é dele e de seus valorosos companheiros.

A minha posição era a correta, a do professor que admirava o talento do seu ex-aluno. Marcel Octavio estudou comunicação e se encontrou nas artes cênicas o seu destino. Já na época, se equilibrava entre a academia e os palcos.

Marcel Octavio, como os seus demais colegas, irão iluminar as telas dos cinemas, tv e palcos de teatro do nosso país nos próximos anos.

Nem precisa estarmos em nenhuma era de Aquário para ter certeza que talento não brota do chão, e sim do trabalho duro e da paixão pelo que se faz. Marcel Octavio e seus companheiros de palco têm de sobra. Vida longa, garotada.

Fonte: Blog Sidney Rezende.

Prosseguindo a série de vídeos Conheça a Tribo de HAIR, vamos conhecer um pouco da atriz e cantora Tatih Köhler.

Veja imagens de Tatih nas audições, nos ensaios e em entrevista exclusiva ao Site Möeller & Botelho:

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Foto: Leo Ladeira. © Copy Right: Site Möeller Botelho.

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Prosseguindo a série de vídeos Conheça a Tribo de HAIR, vamos conhecer mais um pouco da atriz e cantora Letícia Colin, a Jeanie de Hair.

Veja imagens de Letícia nas audições, nos ensaios e em entrevista exclusiva ao Site Möeller Botelho:

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Prosseguindo a série de vídeos Conheça a Tribo de HAIR, vamos conhecer um pouco da cantora e atriz Aline Wirley.

Veja imagens de Aline nas audições, nos ensaios e em entrevista exclusiva ao Site Möeller & Botelho:

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No musical ‘Hair’, de Möeller & Botelho, ele se destaca não apenas por ser um dos mais completos bailarinos da tribo, mas por sua interpretação dramática do pai de Claude (Hugo Bonemer).

Com vários musicais de sucesso no currículo, como ‘A Bela e a Fera’, ‘Chicago’, ‘Sweet Charity’ e ‘A Gaiola das Loucas’, Fernando Rocha, além de atuar, cantar e dançar, exerce  em  ‘Hair’, a função de ‘dance captain’.

Dance captain é o nome que se dá ao profissional que “mantém o espetáculo de pé coreograficamente e cenicamente”, segundo definição do próprio ator, cantor e bailarino. Ele já tinha feito papel de ensaiador, mas não em teatro musical. Dentro de uma estrutura grande é a primeira vez.

Leia nesta entrevista um pouco do trabalho de Fernando em ‘Hair’, além de conhecer sua experiência como bailarino em companhias como o Balé da Cidade de São Paulo, com o qual viajou pelo mundo todo.

Com vocês, Fernando Rocha!

Gostaria que você falasse como é seu trabalho de Dance Captain em ‘Hair’. Muita gente desconhece que existe essa função.

Dance captain é uma função bem específica de musical. É bem americano. É uma função que no Brasil seria mais ou menos igual a do ensaiador em uma companhia de dança e a de um encenador em uma companhia de teatro. É a pessoa responsável por manter o espetáculo em pé coreograficamente e cenicamente. Ele trabalha com tudo que tem de coreografia, de formação, de movimentação, de intenção de movimento, e até relacionado à fala. Ele é responsável por ensaiar, manter os espetáculos, dar os aquecimentos. Eu o vejo com essa função de manter o espetáculo sempre bem ensaiado, com as pessoas bem corretas nas marcas etc. Às vezes os assistentes de direção exercem essa função, mas a partir do momento que tem dança, que tem coreografia, é necessário ter um dance captain.

Qual é a rotina do seu trabalho de Dance captain com o elenco de ‘Hair’?

Toda semana, pelo menos meia hora por dia, nós fazemos as correções do dia anterior e as modificações que precisam ser feitas na peça, para melhorar algo, como um problema de trânsito, porque as pessoas se batem. Como as pessoas ficam muito livres em cena, é necessário juntar todo mundo, porque as pessoas vão espalhando, todo mundo vai ficando confortável demais e vai sujando o espetáculo. Então é preciso fazer essa manutenção todos os dias. A grande maioria aqui já conhece musical e sabe que isso é preciso, mas algumas pessoas ainda estão aprendendo, entendendo como funciona o processo. O mais difícil desse espetáculo é que todo mundo tá em cena o tempo todo. Isso é o mais difícil de manter. Então é necessário ensaio quase que diário.

E como tá sendo essa experiência?

É muito bom ver de fora. Muito bom poder ajudar com um olhar de fora. É um olhar para o espetáculo, com a missão de fazer aquilo ficar no lugar. É um desafio, pois eu tenho que chegar no teatro bem antes, trabalhar mais… Tenho que ter uma medida de quando estou dentro e quando estou fora de cena. As pessoas têm que entender que existe essa separação de postura. Eu estou muito feliz. Tenho abertura para fazer qualquer mudança coreográfica em cima do que o Charles propôs. O Alonso Barros fez a coreografia e dentro dela tudo já é muito decidido. Poucas coisas são livres. Tem pouco espaço para modificar. Nas coisas propostas pelo Charles não, já são mais livres, têm muita ação, e a partir do momento que uma coisa não funcione tão bem esteticamente ou não passe uma idéia, ele deixou abertura pra eu fazer modificação. Eu já fiz em algumas, como o “Haxixe”, na cena final, na cena que o Claude leva os tiros.

Como foi seu início na dança?

Comecei meio velho para os padrões da dança. Estava com quase 20 anos e foi uma mudança radical na minha vida. Eu fazia espetáculos de final de ano do colégio e um professor de dança, que montou a coreografia de uma apresentação, perguntou se eu não gostaria de fazer aula com ele, disse que eu levava jeito. Eu estava terminando o 3º colegial e já tinha passado para a Faculdade de Direito. Eu sempre gostei de dançar, mas não tinha pretensão artística, não tinha descoberto que era algo que eu realmente queria fazer. E eu nunca tinha feito nada físico. O mais difícil foi isso. Não tinha preparo de atleta de esporte, de capoeira ou de arte marcial, que são coisas que deixam o corpo trabalhado. Então tive que fazer muita aula, pois com 20 anos seu corpo já tá todo formado. Como é que você vai moldar seu corpo inteiro para dançar? Eu fiz uma sequência de aulas com esse professor e comecei a fazer faculdade. Aí um dia ele me chamou para fazer uma participação em um programa de TV que ele iria coreografar. Era um programa com um monte de profissional. Eu pensei: ‘To começando agora’. Fiquei meio assustado, mas fui e aí descobri que gostava de dançar. Conheci algumas pessoas que gostaram do meu trabalho e começaram a me chamar. Já comecei praticamente profissionalmente. Eu não tive uma formação escolar tradicional. Fui aprendendo tudo na prática. Dançava em banda, em formatura de final de ano, em show brasileiro, em ópera (fez ‘Candide’, onde conheceu Charles Möeller). Fazia aula de dança o dia inteiro. A faculdade de Direito foi ficando de lado e depois de dois anos eu larguei.

E a experiência com o Balé da Cidade de São Paulo, como aconteceu?

Comecei a fazer teatro musical – o primeiro foi ‘Blue Jeans’, do Wolf Maia. Mas em determinado momento não me satisfiz mais só com aquilo. Achava que a parte coreográfica das peças de teatro musical não me satisfazia artisticamente. Não tinham o desafio que eu queria ter na área de dança. Eu já cantava, mas a dança até então era o meu foco. Aí vi uma apresentação do Balé da Cidade de São Paulo e fiquei alucinado. Falei comigo mesmo: ‘Quero dançar isso’. Fiz audição e à princípio não entrei. Fiquei em quarto lugar na audição com mais ou menos 100 candidatos. Eu tinha só quatro anos de dança. Era muito pouco tempo. Tinha gente lá que dançava desde os três anos de idade. Fiquei muito feliz mesmo não tendo passado à princípio. Fui o primeiro suplente. Quando estava fazendo o ‘Sweet Charity’, (foto à esquerda), do Charles e Claudio, recebi uma ligação da diretora do Ballet dizendo que havia aparecido uma vaga. Fiquei muito feliz e continuei fazendo os dois, o musical e a companhia. Foi uma loucura. Trabalhava na Companhia de segunda a sexta, das 8 às 16h. De quinta a domingo fazia o ‘Sweet Charity’, com duas sessões no sábado e duas no domingo. E segunda de manhã já estava no ballet de novo. Foi exaustivo. Não tive pausa física durante três meses. Eu trabalhava com meu corpo quase que 24 horas por dia. Tive que ralar muito, mas foi um período bastante produtivo. Foi quando o Charles realmente me viu em cena. Foi uma época que plantei muita coisa boa. literalmente aprendi muita coisa.

“O seu trabalho é chegar no teatro cedo, aquecer o seu corpo, passar o que tem que passar. Isso faz parte de manter o espetáculo pronto”.

Esse seu lado disciplinado vem dessa experiência, não é?

Sim, é parte do seu trabalho. O seu trabalho é chegar no teatro cedo, aquecer o seu corpo, passar o que tem que passar. Não tem questionamento. Isso faz parte de manter o espetáculo pronto. Em uma companhia de dança a gente faz isso todos os dias. É cansativo, é doloroso, às vezes você não quer passar aquela cena de novo. Você já passou ontem, acha que tá bom. Mas há pessoas que não estão tão bem. Às vezes falta essa consciência que o coletivo é mais importante do que sua performance individual. Os bailarinos sempre são mais disciplinados. Durante a vida inteira para conseguirem uma técnica eles tiveram que fazer aulas todos os dias. O ator e o cantor não têm essa disciplina de fazer aulas todos os dias. É uma disciplina diferente. O bailarino tem um grande trunfo. Eles têm uma disponibilidade maior para o trabalho. Claro que há exceções. Tem a ver com a forma que a pessoa vê a profissão, como ela lida profissionalmente. A dança te dá isso. Ou você foca e se concentra, ou você não consegue executar, não consegue fazer. Eu demorei muito para me adaptar também. Até entender como funcionava, demorou. Mas em uma estrutura que você precisa estar todos os dias, de manhã à tarde, repetindo, repetindo, repetindo, você acaba se disciplinando e entendendo que não tem outro jeito de manter um espetáculo. Eu era muito mais volúvel antes. Tinha picos de estudo.

De que maneira você ficou sabendo das audições e como foi seu teste para ‘Hair’?

Havia um ti-ti-ti no meio. Aí entrei em contato com o Charles, pois havia um monte de restrições no anúncio das audições. Não podia ter mais de 25 anos… Enviei um e-mail pro Charles dizendo que queria fazer, mas já havia passado dessa idade. Ele me disse que o que importava era ter o espírito jovem. Eu fui dispensado da primeira fase, que era de dança. Já fiquei pra final, disputando o Berger. Foi o teste que mais gostei de fazer. Eu me preparei bem, acho que cantei bem, fiz a cena bem. Estava tranqüilo. Foi a primeira vez que fiz um teste tranqüilo. A banca era muito harmoniosa e isso faz uma grande diferença. Quando você faz teste para bancas americanas é bem diferente (risos). Aí a Marcela Altberg me ligou dizendo que eu tinha passado para pai de Claude e achei ótimo. Eu nem tinha feito teste para pai de Claude e também não vim pro Rio pra fazer Berger. Eu vim pra fazer ‘Hair’. À princípio ia fazer o Hubert também, mas o Alonso quis que eu dançasse, que eu fizesse a coreografia de ‘‘Hair’’. Foi tudo muito tranqüilo, rápido e bacana.

Você desde o início deixou a barba e o cabelo crescerem…

Já deixei de cara. Eu queria fazer um hippie bem sujo. Sabia que a maioria ia ficar de cara limpa, e eu queria deixar bem barbudão mesmo. Mas aí pro pai não ia ficar legal. Ia pesar muito. Se eu tirar essa barba hoje, sou irreconhecível. Já to um pouco enjoado dessa barba (risos), já to pegando uns tiques, fico enrolando… Eu tenho três trocas de cabelo na peça. Coloco peruca, tiro a peruca para fazer o pai, volto pra tribo, depois viro pai de novo… Por mim faria a peça com meu próprio cabelo, por isso to deixando ele crescer. No salão eles desfiaram demais meu cabelo e por isso demora mais a crescer, mas acho que na temporada de São Paulo já consigo fazer com meu cabelo.

Como é sair da tribo, colocar um terno e entrar em um personagem tão austero como o pai de Claude?

Eu pensei que ia ser uma mudança de estado muito grande. Pensava: ‘como vou conseguir fazer isso tão rápido?’. Mas durante o processo percebi que o estado da tribo já me levava, era só um canal a mais, só um lugar que eu tinha que estar diferente. Percebi que quanto mais aberto eu estava na tribo, melhor chegava para fazer o pai. Se eu ficava pensando muito em como seria, aí dava uma travada. Depois de um tempo você já sabe que lugar acessa. Então é só deixar aquele lugar conectar e ir embora. Eu já saio da cena de ‘Ain’t got no grass’ com um gás para usar na cena do pai.

De que forma você vê esse pai do Claude?

Demorei um pouco para entender o que era o pai. No início eu ficava só na coisa da Guerra do Vietnã, dele ser americano, ser austero… isso ficou me incomodando durante um tempo. Vi que não era pra ficar só na porrada. Aí li o texto de novo, fiquei meditando e vi que ele é apenas um pai. O fato dele querer que o filho vá pra guerra é só um detalhe. Na verdade ele quer salvar o filho da vida que ele tá levando, salvá-lo de ser um drogado, de ser um cara que não quer nada na vida. Esse pai não entende isso. Ele fala que o exército vai salvar o filho, mas poderia dizer que a faculdade vai salvá-lo também. Poderia dizer: “Vai trabalhar em um banco, que isso vai te salvar”. É um desespero de pai em relação ao filho. Quando tirei a coisa da guerra, facilitou muito pra mim. Tirou um estereótipo de americano mau, desumano, que quer que o filho vá pra guerra. É um pai que quer colocar ordem e quer o melhor pro filho. O personagem ficou mais verdadeiro.

Fale sobre a cena de abertura do segundo ato, na qual você canta em cima da Kombi. É muito divertida, não?

Aquela cena é uma viagem! Quando ainda não tinha Kombi, no Tereza Rachel, nós entrávamos e fazíamos uma coreografia. Aí quando chegamos no Oi Casa Grande e havia a Kombi, o Alonso teve a ideia de fazer eu cantando em cima dela. No original eles se fantasiam de velhos cantando coisas que viveram na juventude. É por isso que ele canta todo empostado, canta pra menina como se ela fosse o amor da vida dele quando era mais jovem. Essa é a ideia do ‘Old Fashioned Melody’. É uma brincadeira deles.

Essa música parece ter um tom muito difícil…

Nós baixamos o tom da música. No princípio ela estava no limite. Agora já dá pra fazer, vou até pedir pra voltar no tom original, que é mais bonito. Eles baixaram meio tom. No início foi difícil pra mim. Eu não achava o lugar. Aí tive tempo pra estudar, voltei a estudar canto e mesmo a música do pai ficou bem melhor resolvida. A minha voz juntou mais com a da Bruna (Guerin), tá menos oscilante. To conseguindo manter sempre no mesmo lugar. É difícil porque é uma música aguda, não é uma música em uma região confortável. Você tem que estar bem tecnicamente, senão não fica legal. Mesmo para um tenor não é tão simples assim.

“Achei a ideia do Charles genial, de colocar os pais cantando essa música. Ele transformou a música num desabafo, num choro dos pais (…) Foi uma grande sacada! Deu um sentido pra música e dramaturgicamente ficou muito mais interessante”

O que você acha da música dos pais?

É uma música linda. O Charles teve a ideia de colocá-la para os pais, pois originalmente não é deles. Na Broadway nunca foi dos pais. Ficava muito solta e é uma música de clamor, de desabafo. É na verdade um trecho de Shakespeare adaptado. É de ‘Hamlet’. Lá fora já tentaram fazer de várias formas essa música: o Claude cantando, aí viram que não tinha sentido ele cantar aquilo; depois duas pessoas da tribo cantando. Ficava bem bonito, mas achei a ideia do Charles genial, de colocar os pais cantando essa música. Ele transformou a música num desabafo, num choro dos pais ao ver todas aquelas pessoas que foram para a guerra mortas. Foi uma grande sacada! Deu um sentido pra música e dramaturgicamente fechou! Ficou muito mais interessante e é bonito os pais terem uma música também.

O que você faz para agüentar essa temporada puxada, que a partir de 2011, será de seis récitas por semana, de quarta a domingo?

Em teatro musical se você não se regrar, uma hora você vai se arrebentar. Então raramente eu saio. No início eu ainda saia com o pessoal, mas agora não. Quem não tem a responsabilidade dos solos, ainda pode se mascarar atrás dos 30 da tribo. Quem não tem um nível técnico de excelência tem que proteger o corpo 100%. Tem que dormir, estar bem de espírito, estar bem emocionalmente. São vários cuidados. Teve um domingo que eu fiquei doente, então cheguei no teatro duas horas antes e fiquei aquecendo minha voz e mantendo meu corpo em energia, senão não conseguiria fazer. Eu tava com 39 de febre e olha que me cuido! A galera tem que agüentar o ritmo até o fim da temporada. Você vai deixando de fazer outras coisas, não tem jeito.

Como você analisa esse momento que vive o teatro musical no Brasil?

Hoje temos cinco, seis musicais em cartaz ao mesmo tempo. Quando comecei era apenas um. Fico muito feliz de ver que o teatro musical no Brasil tá crescendo. Muita gente tá empregada, tá tendo muita demanda. As pessoas estão estudando. Realmente tá muito mais competitivo e a competitividade faz com que a qualidade aumente.

Veja mais fotos de Fernando Rocha em Hair:

Entrevista e Fotos: Leo Ladeira. © Copy Right: Site Möeller Botelho.

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Presente de Ano Novo de Möeller & Botelho e Hair:

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